コード進行からメロディーを作る

ここまでの解説で一通りコード進行が作れるようになったところで、いよいよコード進行からメロディーを生み出す方法に移っていきます。ここでは初心者が陥りやすい「童謡みたいになってしまった」という失敗をどうやって直していくのかを例にとって具体的に説明していきます。

なぜ童謡になってしまうのか？

作曲を始める動機は人それぞれですが、「泣かせるバラードを作ってやるぞ！」とか意気込んで作曲を始めたものの、出来上がった曲を聴いてみると幼稚園のお遊戯の時間に流れているような「童謡」になってしまったという笑えない失敗が誰にも一度や二度はあるものです。それが続くと「自分には才能がない」と嘆いて作曲そのものをあきらめてしまう最大の原因になります。

実は童謡みたいになってしまうのにはちゃんとした理由があって、音楽理論の知識がまったくなしに思いつくままにメロディーを作っていくと誰しも多かれ少なかれそうなってしまうのです（よほどの天才を除いて）。

ではその原因を探るために「わざと」童謡っぽく作ってみましょう。まず前章で説明した原理にしたがってコード進行を組み立ててみます。最初はコードの機能別に並べるだけでしたね。ここでは8小節の曲を仮定し、次のように並べてみました。

T→SD→D→T→SD→T→D→T

キーをCメジャーとし、主要三和音だけを使うことにすると次のようなコード進行が出来上がります。

C→F→G7→C→F→C→G7→C

ここからメロディーを作っていくわけですが、一番簡単なのはコードの構成音だけを使ってメロディーを作ることです。コードの構成音に含まれる音を内音、含まれない音を外音と呼びます。内音はコードの構成音ですから、完全にコードの響きと協和します。ですから内音だけでメロディーを作ると確実にコードに溶け込んでくれるわけです。ここではコードの内音だけを使って適当にメロディーを作ってみました。

できればコードを弾きながらメロディーを弾いてみて下さい。いかにも童謡っぽいメロディーですね。ここではわざとそうしたわけですが、童謡っぽく聞こえるメロディーにはいくつかの法則があります。

1. コード進行が主要三和音だけでできている
2. コードの内音だけを使ってメロディーを作っている
3. リズムが単純すぎる

上に挙げた3点が「幼稚」に聞こえるメロディーの三大法則だと思います。実際、童謡というのはほぼこの法則に当てはまっています。そして童謡を作るつもりがなくても、音楽理論を知らずに思いつきだけでメロディーを作っていくと、この法則に見事に当てはまってしまうのです。それはなぜかと言いますと、主要三和音というのはそれだけで完結しているので、転調をしない限り、どんなメロディーであってもすべて主要三和音のいずれかに当てはまるからです。つまり無意識のうちに主要三和音に当てはまるようなメロディーを作らされてしまうということですね。ちなみに本当の意味で童謡を作るのはかえって難しいと思います。なぜなら子供を喜ばせるためには子供の気持ちになって作曲しなければならないからです。

コードの外音を使ってみる

上で作ったメロディーは主要三和音だけでできていますし、コードの内音だけでできています。しかも一番短い音符でも4分音符ですので、リズムも単純です。つまり三大法則のすべてを満たしていますのでいかにも童謡っぽい感じになってしまったわけです。では次にこれを元にして改造していくことを考えましょう。

とりあえずコード進行はそのままにして、メロディーを作る際にコードの外音も使ってよいことにしましょう。内音はなるべく動かさずに外音を付け足してみると、たとえば次のように改造できます。

どれが内音でどれが外音かは自分で考えてみて下さい。コードの構成音ではない音が混じっていますが、実際に音を聴いてみると別に不自然な感じはしないですね。このように外音が少々混じっても主要三和音だけで伴奏を付けることが可能なのです。

ここでは無造作に作ってみましたが、実は外音の使い方にもちゃんとした法則というものが存在します。次はそれについて説明しましょう。

外音の使い方

クラシックの世界では外音の使い方についても理論体系が存在します。外音は機能別にいくつかの種類に分けることができますが、ここでは刺繍音・経過音・倚音と呼ばれる一番基本的な外音の使い方についてご紹介しましょう。本当はもう少しあるのですが、とりあえずこの3つだけ覚えておけば十分です。

刺繍（ししゅう）音

コードの内音から1つ上または1つ下に進んでまた元に戻るような外音を刺繍音といいます。これはちょうど布を縫うときのように生地の表裏を行ったり来たりすることから来ています。上行または下行いずれでも可能です。この場合、一時的に不協和な音程が生まれるわけですが、次の音ですぐ解決されるため心理的には安定して聞こえます。

経過音

コードの内音と内音をなめらかにつなぐような外音を経過音といいます。上行または下行いずれでも可能です。経過音は時間的には短いもので、ある内音から別の内音に移り変わる間の一瞬だけ不協和音程が生まれますが、流れの中に組み込まれているため心理的には不安定な印象を与えません。

倚（い）音

内音の1つ上または1つ下から始まり、内音に落ち着くような外音を倚音といいます。上行または下行いずれでも可能です。倚音は刺繍音や経過音と違って比較的長い音符が許されており、明らかに不協和な音程が持続します。人間の心理としてはこの不安定な状態から早く逃れたいという緊張が生まれ、次に内音に移った時点で緊張から解放されてホッとするわけです。倚音はこの緊張→弛緩という人間の心理に基づいた音の動きと言えます。

以上、これらの外音を総称して装飾音と呼びます。内音がメロディーの骨格であるのに対し、外音はそれを装飾する役割を持っているわけですね。最初に作ったメロディーに対して2番目のメロディーでは刺繍音・経過音・倚音のすべてを使って装飾しています。どれがどれかは自分で考えてみて下さい。

音楽というものは究極的に考えれば緊張→弛緩というパターンの繰り返しであるということができます。このパターンが程よくバランスしていることにより、人は音楽を聴いて心地良いと感じるのです。最初に作ったメロディーのようにすべてコードの内音だけでできたメロディーはまったく緊張がなく、いわば弛緩しっぱなしと言えます。これではあまりにも退屈極まりない音楽になってしまうので、適当に外音を混ぜて緊張した状態を作り出すわけです。そして緊張が解けて弛緩する瞬間に人は心地良さを感じます。ここで大事なことは緊張しっぱなしではだめで、その後には必ず弛緩させてあげなければならないということです。そうでなければ聴いた人は緊張しっぱなしになり、逆に不快感を覚えるでしょう。

ここで紹介した装飾音というものは、こういった人間の心理に基づいて緊張→弛緩というサイクルを意図的に作り出すものに他なりません。それがまったくない音楽はあまりにも退屈なのです。なおここでは全音単位で動かすパターンだけ紹介しましたが、半音単位で動かすことも可能です。

コード進行を改良する

2番目に作ったメロディーは最初に比べると少しマシになっていますが、まだ垢抜けない感じがします。それは幼稚に聞こえる三大法則のうち、「コード進行が主要三和音だけでできている」点を解決していないからです。では次にコード進行を改造することを考えましょう。コードの機能的な進行はそのままにして、できる限り代理コードに置き換えるという方針で改造してみます。ここでもCメジャースケールで使用可能な代理コードを当てはめてみると、たとえば次のような進行が可能となります。

T→SD→D→T→SD→T→D→T

Cmaj7→Dm7→G7→Am→Fmaj7→Em7→G7→C

代理コードは三和音でも四和音でも良いのですが、よりリッチな響きが得られる四和音をメインに使っています。ここで7小節目のドミナント(G7)は常にDm7→G7という形に分割することができますので（トゥー・ファイブ化）、7小節目は2つに分けて最終的に次のようなコード進行が得られます。

Cmaj7→Dm7→G7→Am→Fmaj7→Em7→Dm7→G7→C

まずコード進行だけを弾いてみて下さい。主要三和音だけの時に比べればぐっと「大人っぽい」感じになってきたのがわかるでしょう。特にCmaj7やFmaj7のようなメジャーセブンス系コードはお洒落な響きが得られますので覚えておくと得です。また3小節目から4小節目にかけてのG7→Amという進行は、本来ならCに進むところをAmに置き換えて偽終止の形にしています。こうすることによって予想を裏切って意外な展開が可能になるわけです。

さて今度はこのコード進行からメロディーを作り出すわけですが、ここでは最初に作ったメロディーを改良していくことが目的ですので、なるべくその原型を残したまま音を入れ換えていくことにします。コードそのものが変わっていますので、当然内音として選べる音も違ってきます。新しいコード進行に合わせてメロディーを少し改造してみると、たとえば次のようになりました。

コードも一緒に弾いてもらうとだいぶ幼稚さが抜けてきたのがわかると思います。それは主要三和音の呪縛から逃れられたからです。AmやEm7のような主要三和音にはないコードを意図的に組み込んだことにより、必然的にメロディーとして選べる音の構成が変わり、幼稚さからは卒業することができるのです。

最初に作ったメロディーから比べると似つかぬほど改良されましたが、それでもメロディーだけ単独で聴いてみるとまだ野暮ったい感じは残りますね。それはリズムが単純だからです。では最後にリズムを改良することを考えましょう。

リズムを改良する

3番目のメロディーは一番細かい音符でも8分音符までしか使っていません。4分の4拍子の場合、4分音符が一つの拍（ビート）に相当しますが、すべての音符が拍の中にきっちり収まっており、拍をまたぐような動きもありません。このようなリズムは面白味がなく、どうしても単調なメロディーになってしまうのを免れません。そこでもう一つ細かい16部音符や、付点のついた音符を使ってリズムを「崩して」みることを考えます。ここでは音程はそのままにしてリズムだけを修正してみます。たとえば次のように改造することができました。

3番目のメロディーと音程そのものは変わっていないのに印象はずいぶん変わりましたね。より音楽的になった感じがしませんか？　音楽の三要素とは、メロディー・ハーモニー・リズムと言われますが、メロディーやハーモニーのない音楽は存在してもリズムのない音楽というものは存在しません。それほどリズムは重要なものなのです。

ここでは主に4分音符2つを付点4分音符と8分音符に変更したりする修正を行っていますが、これにより「ノリ」が生まれてきます。また音符の始まりを常に拍の頭にするのではなく、半分だけずらす（シンコペーション）ことによっても心地良いノリを生み出すことができます。

また1小節目と3小節目、あるいは2小節目と6小節目に見られるように、音程は違っても同じリズムパターンを流用することによって曲に統一性が生まれてきます。これは「ゆらぎ」の理論とも関係してくるのですが、音楽というものは規則性と不規則性が程よくバランスしているときに最も心地良いと感じることができるのです。完全に規則的で先が予測できるような音楽では退屈してしまいますし、逆にまったく不規則で先の読めない音楽は疲れてしまいます。この例のように、同じリズムパターンを適当に散りばめることにより、規則性と不規則性を適度に併せ持つことができて、心地良く感じられるのです。これもぜひ曲作りのエッセンスとして覚えておいて下さい。

この章では一応ここまでにしておきましょう。最初に作ったメロディーと最後に作ったメロディーを聴き比べると、根本的な構造は変わっていなくてもまるで別の曲に聞こえますね。カッコいいとまでは言えなくても、少なくとも童謡には聞こえないことは確かでしょう。ここでは特に装飾音の使い方をマスターして、童謡からの脱却を目指して下さい。